Puente Japonés - Claude Monet

En el capitulo Intercambio Cultural, perteneciente a la primera temporada de la serie, Bart realiza un viaje a Francia, como parte un intercambio estudiantil. Al llegar a Francia Bart es recogido en el aeropuerto por Huguolin, y ambos montados en una moto se dirigen hacia a la Chateau Maison, donde Bart permanecerá durante su estadía.

En el camino pasan por varios cuadros que representan el paisaje francés, el primero cuadro representa el “Puente Japonés” del pintor impresionista Claude-Oscar Monet.

El Impresionismo - del que ya hemos hablado antes en dos post sobre Joseph Turner- trata de reproducir las "impresiones" de colorido e iluminación percibidas de la naturaleza, al aire libre.

Claude-Oscar Monet, es reconocido en ese sentido como el padre del Impresionismo, aunque en su momento sus primeras obras impresionistas fueran tildadas de "chapucería" y ni siquiera contemplaban sus cuadros como obras "bien acabadas".

Cuando Monet tenía 43 años, en abril de 1883 compra una casa con jardín en Giverny - una localidad y comuna francesa situada en la región de Alta Normandía, convertido hoy en centro turístico y lugar de peregrinación para jóvenes artistas.

Ya instalado en Giverny "se consagró a diseñar con extremada pasión el jardín, que se convertiría en su fuente permanente de inspiración durante las últimas décadas de su vida", incluso solicitó permiso para desviar un afluente del río Epte para poder crear su estanque de nenúfares

Tanto la vegetación de los márgenes del agua como las plantas flotantes "fueron cuidadosamente elegidas por Monet en tonalidades frías y matizadas".

Monet, fue un gran amante de la cultura y arte japonés. y mandó construir en 1893 un Puente japonés, sobre el estanque de nenúfares, y del que al poco se enredó una tupida planta de glicinias.

El Puente Japonés, llego a ser una de sus fuentes de inspiración predilectas, siendo plasmando en diferentes versiones - durante cuarenta años, periodo en que Monet se fue quedando ciego -alguna de estas variantes han recibido nombres como "Estanque de nenúfares" (el nenúfar es una planta acuática) y "Estanque de Ninfas" en una clara equivocación al interpretar la palabra "nenúfar". O también llamada "Lago de Lily Pond".

Guillermo Solana, director artístico del Thyssen, recordó que cuando el maestro murió en en diciembre de 1926, "su pintura ya había pasado de moda". Monet llegó a ser calificado en el período de entreguerras como "un artista blando e incluso kitsch" (osea de mal gusto).

El redescubrimiento de Monet no se produce hasta mediados del siglo XX, cuando los jóvenes artistas del triunfante expresionismo abstracto americano comenzaron a contemplar sus obras con una nueva mirada. La materialidad de su pintura, su técnica “all-over”, sus pinceladas sueltas y sus formas desdibujadas fueron una auténtica revelación tanto para la joven generación de abstractos americanos como para los seguidores de los informalismos europeos.

Clip de Bart cruzando el Puente Japonés:

Marilyn - Andy Warhol

En el capitulo, “Una proposición un poco indecorosa”, (13 temporada) Artie ziff - pretendiente de Marge en la adolescencia - se encuentra en su oficina rodeado de obras de arte de los más variados estilos y todos con un tema en común: Marge Simpson.

El cuadro más fácilmente reconocible es uno de los tantos “Marilyn” obra de Andy Warhol. Como el framegrabs no permite apreciarlo bien, me tome la libertad de re-dibujarlo:

Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del Pop Art.

Cuando Marilyn Monroe se suicida en agosto de 1962, con una sobredosis de barbitúricos, Warhol comienza la producción de una serie de serigrafías utilizando como base una sola fotografía. La fotografía fue tomada por Gene Korman, para promocionar la película Niágara que era protagonizada por la actriz.

En el blog argentino “Espacio de Trabajo” encontramos un artículo interesante “Cita y apropiación: antecedentes en la historia del arte” en el cual se critica duramente la Marilyn de Warhol: “Esta obra refleja dos fenómenos: por una parte, el procedimiento de derivar la obra de arte que empieza a hacerse más frecuente en el arte contemporáneo, y por otro cierta impunidad de los artistas respecto del uso de material bajo copyright”.

Warhol, dedicó muchas obras a Marilyn Monroe, pero no pensando en ella como un sex-symbol, sino formando parte de un ciclo sobre la muerte.

"Diptico de Marilyn" es la primera obra sobre Marilyn, y trata, sobre todo, de expresar el paso de la vida a la muerte con la misma imagen. A la izquierda, Marilyn aparece bella y sensual; a la derecha, la ausencia de color, la presencia del negro y el desvanecimiento de la imagen anuncian su desaparición. (Mundo Historia) Warhol, utiliza la foto de Marilyn en más de cincuenta retratos incluyendo una serie de serigrafías titulada Iconos, en las que utilizó un procedimiento mecánico de aplicación serigráfica sobre tela que permite multiplicar series.

Muchos nuevos artistas se han visto influenciados por esta obra de Warhol en particular, utilizándola como base para recrear sus propias propuestas:

Y algunos otros se han hecho retratar a si mismos siguiendo este estilo, un poquito egocéntricos no?

• Madonna: Para el lanzamiento de su álbum, Celebration en el 2009, establece e

  l diseño de la portada de este álbum como una oda a las míticas serigrafías del ícono del pop, Andy Warhol. En este contexto, es bien sabido que una de las inspiraciones de Madonna es Marilyn Monroe, a quien también rinde tributo con el corte de cabello, el patrón de moiré y los colores de su pintura.

• Anna Molinari, diseñadora de la marca de ropa Blumarine, en el desfile Fall 2009 utilizo como escenografía una serie de cuadros inspirados en Warhol, pero con su propia fotografía:

Existen otras dos versiones de este mismo cuadro en diversos capítulos de la serie, y una interpretación libre que se los iremos presentando en futuros post, asi como otros datos interesantes sobre esta obra en particular, por ahora la secuencia con Artie:

Christo and Jean-Claude

Casi en la parte final de este episodio (El Arte de Papá y Mamá) , Homero y Lisa conversan sobre Christo.

Christo Javacheff, es un artista de origen búlgaro . Sus objetos envueltos son algunos de los ejemplos más extremos del arte conceptual moderno. Vivió en Francia entre 1958 y 1964, año en que se trasladó a Estados Unidos.

Christo Valdimiroff Javacheff nació el 13 de junio de 1935 en Gabrovo, una ciudad industrial al norte Bulgaria. Sorprendentemente, el mismo día del mismo año nacía en Casablanca (Marruecos) Jeanne-Claude en el seno de una familia de militares. Ella se convertiria en su esposa y compañera inseparable.

El 19 de noviembre del 2009, falleció Jeanne-Claude, a causa sufrió de un derrame cerebral a los 74 años en New York.

"En nuestro trabajo se trata siempre de la libertad", dijo una vez Jeanne-Claude. "Ella es la enemiga de la posesión y la durabilidad."

La artista también quiere mantener su libertad aún tras su fallecimiento: ella puso a disposición de la ciencia su cuerpo.

Lisa le sugiere a Homero que intente algo más radical como Christo. Ella lo describe como "un artista conceptual que hace enormes proyectos al aire libre"

Land Art

Estos proyectos que mencionan Lisa pertenecen a la corriente artística llamada Land Art.

Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre».

Consiste en elaborar obras de arte a partir del medio natural. Porque sus creaciones usan el paisaje como soporte (escenario) o materia prima de la obra. El principio fundamental del Land art es alterar, con un sentido artístico, la superficie de la Tierra.

Proceso de Creación.

En la obra de Christo y Jean-Claude, se destaca en tres fases o periodos, durante el desarrollo de un proyecto:

1. Fase imaginativa, predominan el collage y el dibujo. Preparacion de los bocetos, muestras de los materiales, telas, cuerdas, plásticos, que se emplearán en cada intervención.
2. Fase de construcción, para la que cuentan con la ilusión de miles de voluntarios, generalmente alumnos de Bellas Artes procedentes de escuelas de todo el mundo y de las empresas que proveen de lo necesario, a menudo fabricando en exclusiva.
3. Fase de memoria, es la forma de registrar la obra, documentado a posteriori mediante fotografías, audiovisuales, estadísticas e informes.

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La financiación para estos proyectos corría a cargo de la venta de los bocetos, materiales y registro fotográfico, contando en casi toda su trayectoria con solo dos fotógrafos oficiales: Wolfgang Volz y Harry Shunk.

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Obras:
Lisa menciona dos obras de la basta extensión de proyectos que realizaron:

Reichstag Envuelto

El Reichstag es la sede del poder legislativo alemán y representa el nuevo estado unificado alemán.

En su historia ha sufrido 20 incendios, bombas, guerras y abandonos.

A pesar de su fama como artistas Christo y Jean-Claude no la vieron la fácil para llevar a cabo este proyecto, aquí unos números:

• 24 años tomo conseguir el permiso de autorización.
• 54 visitas a Alemania fueron realizadas entre 1976 y 1995.
• 352 parlamentarios visitados para que apoyen el proyecto.
• 70 minutos estuvieron en sesión, en el parlamento alemán, para dar el SI definitivo.
• El 25 de febrero de 1994 se dio por fin la anhelada autorización, para comenzar la obra.
• 10 empresas alemanas participaron en la fabricación de los materiales requeridos.
• 90 escaladores y 120 trabajadores ejecutaron la instalación de las estructuras de acero en las torres.
• 100.000 metros cuadrados de Tela de Polipropileno y
• 15.600 metros de cuerda del mismo material en color azul, fueron requeridos.
• 70 paneles de tela, cubrieron las fachadas, torres y la azotea.
• El 24 de junio de 1995, se abrió la exposición al público.
• 2 semanas duro la exposición.

Tela y Plástico. En el guión original en ingles, Lisa le dice a Homero:

Lisa: (...) He once wrapped the Reichstag in plastic.

La Tela de Polipropileno, es la misma que se utiliza para la fabricación de sacos de plástico, así que la afirmación de Lisa no es del todo incorrecta, y se le puede considerar como plástico. Pero básicamente para referirse a las obras de este artista se suele describir el material como Tela.

Christo, mismo comenta sobre el uso de la tela en sus obras:

“Desde la antigüedad al presente, formando pliegues, plisados y tejidos, la tela es una parte significativa de pinturas, frescos, relieves y esculturas hechas de madera, piedra y bronce. El uso de la tela en el Reichstag sigue la tradición clásica. La tela, como la ropa o la piel, es frágil, esto traduce la calidad única de la impermanencia”, lo que tiene comienzo y fin.

Encontré un clip sobre el proceso de envolvimiento del Reichstag, utilizando la técnica del Stop Motion.

The Umbrellas (1984 - 1991)

Fue un proyecto internacional desarrollado simultáneamente en Estados Unidos y Japón.

Consistió en la plantación de 3.100 sombrillas gigantes: 1.340 sombrillas azules a lo largo de 12 kilómetros de la aldea de Hitachi, provincia de Ibaraki, Japón y otras 1.760 sombrillas, de color amarillo, en la localidad californiana de Tejón, EE.UU.

Las sombrillas son de aluminio, de seis metros de altura, 8,7 metros de diámetro y 200 kilos de peso.

Los colores de las sombrillas fueron elegidos con el objetivo de complementar el paisaje donde fueran instaladas:

• El amarillo debía acentuar la hierba color ámbar de las colinas de California, como resultado de la sequedad de sus ranchos.

• El azul debía realzar el exuberante follaje que rodeaba un río de Japón, y expresa, según asegura Christo, la ajetreada vida agrícola del archipiélago.

Las sombrillas se convirtieron en una gran atracción turística y fueron visitadas por más de 3 millones de personas; algunas los utilizaron para hacer picnics y otras, incluso, los usaron como altares de boda.

Sombrillas asesinas, Lisa le menciona a Homero que algunas de la sombrillas se desprendieron y mataron gente, y esto no es del todo alejado de la realidad, porque si se dieron dos muertes relacionados con esta exposición:

• Lori Rae Keevil-Mathews, de 33 años, viajo hasta california para visitar la exposición que no tenía ni dos meses de abierta al público, cuando el viento arranco una de las sombrillas, que cayó sobre la desafortunada mujer y la mató. Aunque según otras versiones la sombrilla se cerró accidentalmente matando a la mujer. Crhisto al enterarse de esto mando inmediatamente desmantelar la exposición en los dos países. Durante la desmantelación se produjo la segunda muerte pero en Japón.
  
• Masaki Nakamura, de 51 años de edad, era operario de una de las grúas que se utilizaron para sacar las sombrillas, según la policía japonesa, el brazo de la grúa tocó unos cables de alta tensión y Nakamura murió electrocutado en el acto.

Estas dos muertes, están consideradas en muchos blogs como una de las muertes mástontas y absurdas que existe.

La conversación de Lisa y Homero sobre Christo.